Public Art Fund fue fundada en 1977 por Doris C. Freedman (1928–1981), defensora de los artistas y del papel que el arte desempeña en la vida cotidiana de la ciudad. También fue la primera Directora de Asuntos Culturales de la Ciudad de Nueva York y Presidenta de la Sociedad Municipal de Arte de Nueva York.
Freedman fue una incansable defensora del arte público y el acceso a la cultura. Lideró la lucha para legalizar las residencias de artistas en el Soho, así como la aprobación de la... Porcentaje para el arte legislación de 1982, que exige que una parte del presupuesto para proyectos de construcción financiados por la Ciudad se asigne al arte. Como presidente de la Sociedad municipal de arteFreedman fue una figura clave en la creación del Centro Urbano, una combinación de centro de reuniones, edificio de oficinas y galería de exposiciones para arquitectos, urbanistas y activistas. Freedman también lideró los esfuerzos de la Sociedad Municipal de Arte para atraer el apoyo público y salvar la Grand Central Terminal de la demolición.
En 1971, fundó la organización sin fines de lucro Consejo de Artes Públicas mientras que al mismo tiempo se desempeñaba como presidente de Murallas de la ciudad Inc., una organización que instaló pinturas a gran escala en las paredes laterales lisas de edificios de la ciudad de Nueva York. Bajo su liderazgo, ambas organizaciones desarrollaron programas para explorar el potencial del arte para convertirse en un aspecto integral de los espacios públicos urbanos.
En 1977, Freedman fusionó Public Arts Council y City Walls Inc. para formar Public Art Fund, una organización sin fines de lucro 501(c)(3) que depende de las contribuciones de individuos, corporaciones y fundaciones. Gracias a la visión de Freedman de impulsar a artistas innovadores en diversas etapas de sus carreras, Public Art Fund Se hizo conocida como una firme defensora de artistas jóvenes. Ayudó a presentar proyectos experimentales como una obra del artista. Eric Arctander En 1980 ilustró la costa original de Nueva Ámsterdam y una obra de un el poeta Daniel Wolf y el escultor Robert Taplin, que consistía en una historia contada en pequeños recuadros colocados alrededor de Union Square.
Nacida y criada en Nueva York, Freedman asistió al Albright College y obtuvo una Maestría en Trabajo Social en la Universidad de Columbia. Freedman fue nombrada miembro honorario del Instituto Americano de Arquitectos. Freedman también fue miembro de la Comisión de Asuntos Culturales de la Alcaldía y del consejo asesor de la Escuela de Trabajo Social de la Universidad de Columbia. Formó parte de la junta directiva del Consejo de Parques, la Sociedad Municipal de Arte, la Compañía de Ballet Eliot Feld y la Junta de Supervisores de la Escuela de Diseño Parsons. También fue fideicomisaria del Instituto Pratt y del Albright College, donde colaboró en la fundación de la Galería Freedman. También copresentó “Artistas en la ciudad”, un programa de radio semanal en WNYC que presentó a artistas profesionales y su trabajo innovador en comunidades alrededor de la ciudad de Nueva York.
En memoria de la visión de Freedman, el alcalde Edward I. Koch estableció Plaza Doris C. Freedman en la entrada sureste de Central Park. Desde noviembre de 1977, el sitio ha sido uno de Public Art FundLos sitios más famosos para exposiciones rotativas. Además, el alcalde Koch inauguró el Premio Doris C. Freedman En honor a Freedman en 1982, este reconocimiento anual reconoce a una persona u organización por su contribución a la ciudadanía de la ciudad de Nueva York que enriquece el entorno público. En 2023, el mural de Richard Haas en 112 Prince Street —una obra de 75 metros de ancho y cinco pisos de altura, originalmente encargada por City Walls Inc.— fue restaurado por el muralista Robin Alcantara por recomendación de CITYarts, Inc., en honor a la obra pionera de Freedman en el arte público.
La hija de Freedman, Susan K. Freedman, continúa el legado de su madre como presidenta de Public Art Fund.
In Public Art FundSerie de podcasts de, Obras de arte público, artistas y líderes culturales exploran temas de actualidad como el activismo, la representación, el feminismo e incluso la comida callejera a través de la lente del arte público en la ciudad de Nueva York.
¿Sabías que Shake Shack se originó como un Public Art Fund ¿proyecto?
¿Quiénes deben estar representados por monumentos en nuestros espacios públicos?
¿Qué papel juega el arte en el activismo y la protesta?
Estos temas y más se abordan en nuestra primera temporada de seis episodios, presentada por el actor Jeffrey Wright y que incluye conversaciones entre diversas voces, incluidos los artistas Ai Weiwei, Sue de Beer, Kate Gilmore, Xaviera Simmons, Hank Willis Thomas, Lawrence Weiner y Erwin Wurm; las activistas Paola Mendoza y Arianna Gil; el chef y restaurador Danny Meyer; el presidente de la Fundación Ford, Darren Walker; la comisionada de la Oficina de Asuntos de Inmigrantes del Alcalde, Bitta Mostafi; el escritor gastronómico Joe DiStefano; el director del Centro de Estudios Curatoriales de Bard College y exdirector de Public Art Fund, Tom Eccles; ex especialista de proyectos en Con Edison, Lisa Frigand; Public Art Fund¡Los propios Nicholas Baume y Susan K. Freedman; y los neoyorquinos comunes!
Los episodios están disponibles aquí and on iTunes, Spotify, Google y Alexa.
Nueve mujeres de Alex Katz (n. 1927, Nueva York, NY) es una pintura de cartelera de 240' en el corazón de Times Square, el corazón del Distrito Teatral de Nueva York. Doris C. Freedman, presidenta del Consejo de Artes Públicas, comentó que la obra de Katz "es un excelente ejemplo de cómo los espacios públicos pueden ser animados y mejorados a través de la integración del arte en el entorno urbano. El diseño de Alex Katz, una procesión de 24 rostros de mujeres, agrega una sensación fluida, luminosa y espaciosa al entorno generalmente congestionado de la Calle 42 y Broadway". La obra consta de 23 cabezas femeninas, cada una de 20' de altura, que se posan en la cartelera de 240' y la torre de 60' que se alza detrás, prestando la visión distintiva de uno de los principales artistas contemporáneos del país a la vía más comercial de Estados Unidos.
Agnes Denes (n. 1931, Budapest, Hungría) y sus ayudantes sembraron y cosecharon 1.5 acres de trigo en el vertedero de Battery Park City. La siembra consistió en cavar 285 surcos a mano, retirar piedras y basura, y luego sembrar las semillas a mano y cubrir los surcos. Cada surco tomó de dos a tres horas. Denes y sus ayudantes mantuvieron el campo durante cuatro meses, instalaron un sistema de riego, desherbaron, aplicaron fertilizantes, retiraron piedras, cantos rodados y alambres a mano, y aplicaron insecticidas contra el mildiu. El 16 de agosto de 1982, Denes cosechó la cosecha, con un rendimiento de casi 1000 kilos de trigo sano y dorado. Denes describe el proyecto como un «símbolo, un concepto universal. Representa la alimentación, la energía, el comercio, el comercio mundial, la economía. Se refiere a la mala gestión y al hambre mundial. Es una intrusión en la Ciudadela, una confrontación con la Alta Civilización. Por otro lado, también es Shangri-La, un pequeño paraíso, la infancia, una calurosa tarde de verano en el campo, la paz. Valores olvidados, placeres sencillos».
Mensajes al público formó una parte clave de la Public Art FundEl compromiso a largo plazo de la empresa con las obras de arte basadas en medios. De 1982 a 1990, la exposición presentó una serie de proyectos artísticos creados específicamente para la cartelera Spectacolor de Times Square.
Como explicó Russell Miller, del periódico The Toledo Blade de Ohio, en su artículo del 19 de febrero de 1984: «Cada mes, un artista diferente presenta una animación de 30 segundos en el panel de luz Spectacolor, un conjunto de 8,000 bombillas rojas, blancas, azules y verdes de 60 vatios que domina la vista de Times Square. El anuncio se repite más de 50 veces al día durante dos semanas, enclavado en un bucle de 20 minutos de anuncios animados por computadora».
Como artista residente, David Hammons (nacido en 1943, Springfield, Illinois) construyó una escultura temporal titulada Metas más altasLa obra se construyó en el parque Cadman Plaza de Brooklyn durante un período de ocho semanas.
Metas más altas consiste en cinco postes telefónicos con tapas de botellas que varían en altura de 20 a 30 pies. Montado en la parte superior de cada poste hay un tablero de baloncesto (también cubierto con tapas de botellas), completo con aro y red. En un proceso laborioso, Hammons clavó más de 10,000 tapas de botellas en la superficie de cada poste para crear patrones distintivos de diamante, espiral y malla. Hammons explicó el concepto detrás de Higher Goals con una analogía con los equipos profesionales de baloncesto. "Se necesitan cinco para jugar en un equipo, pero hay miles que quieren jugar; no todos lo lograrán, pero incluso si no lo hacen, al menos lo intentaron". Esta declaración es indicativa de la creencia personal de Hammons de que las aspiraciones no deben limitarse a establecer límites y que las personas deben establecer metas a niveles más altos (es decir, por encima de la medida estándar de 10 pies de altura de una red de baloncesto).
Spiders de Louise Bourgeois (1911-2010, n. París, Francia) estuvo en exhibición en el Rockefeller Center durante el verano de 2001. La obra presenta una araña de 30 pies de altura, Mamá—que significa "mamá" en el francés nativo de Bourgeois—, llevando una cesta de huevos y flanqueada por dos arañas más pequeñas. Brian D. Leitch de The New York Times Magazine afirmó: “Louise Bourgeois, al igual que la gigantesca escultura de araña madre que creó hace varios años, ha estado tejiendo una red de trabajos extrañamente magníficos durante más de seis décadas y, finalmente, a los 90 años, está recibiendo el reconocimiento que se merece”.
Public Art Fund, en colaboración con la Ciudad de Nueva York, presentó Las cascadas de la ciudad de Nueva York, una importante obra de arte público del artista internacionalmente aclamado Olafur Eliasson (n. 1967, Copenhague, Dinamarca). La exposición de cuatro cascadas artificiales de escala monumental estuvo abierta hasta el 13 de octubre de 2008 en cuatro lugares a orillas del litoral neoyorquino: una en el anclaje del Puente de Brooklyn; otra en los Muelles de Brooklyn, entre los Muelles 4 y 5, cerca del paseo marítimo de Brooklyn Heights; otra en el Bajo Manhattan, en el Muelle 35, al norte del Puente de Manhattan; y una tercera en la costa norte de Governors Island. Las cascadas, de entre 27 y 36 metros de altura, erigidas en la costa, funcionaban de 17:30 a 21:00 los lunes y miércoles, y de 12:30 a 21:00 los martes y jueves, y de jueves a domingo. Se iluminaban al atardecer.
Tatzu Nishi (n. 1960, Nagoya, Japón) es conocido internacionalmente por sus obras de arte temporales que transforman nuestra experiencia de monumentos, estatuas y detalles arquitectónicos. Sus instalaciones ofrecen al público un acceso íntimo a aspectos de nuestro entorno urbano y, al mismo tiempo, alteran radicalmente nuestras percepciones. Para su primer proyecto público en Estados Unidos, Nishi ha optado por centrarse en la histórica estatua de Cristóbal Colón.
La estatua de mármol, que se alza a más de 75 metros sobre una columna de granito, fue diseñada por el escultor italiano Gaetano Russo. Se inauguró en 1892 para conmemorar el 400.º aniversario del primer viaje de Colón a las Américas. A pesar de su destacada ubicación pública, la estatua es poco conocida, visible solo como una silueta recortada contra el cielo o a cierta distancia de los edificios circundantes.
El proyecto de Nishi reimagina la colosal estatua de Colón de 13 metros de altura, ubicada en una moderna sala de estar completamente amueblada. Con mesas, sillas, sofá, alfombra y televisor de pantalla plana, la decoración refleja la interpretación del artista del estilo neoyorquino contemporáneo. Incluso diseñó un papel tapiz inspirado en recuerdos de la cultura popular estadounidense, tras haber visto películas y series de Hollywood de niño en Japón. Descubriendo a Colón Ofrece tanto una perspectiva única de un monumento histórico como una experiencia surrealista de la escultura en un nuevo contexto. Al permitirnos subir seis tramos de escaleras hasta una sala de estar ficticia, Tatzu Nishi nos invita a descubrir por nosotros mismos adónde nos lleva la imaginación.
Ai Weiwei concibió esta exposición multimedia, que abarca múltiples sedes y espacios públicos, monumentos, edificios, vías de transporte y plataformas publicitarias por toda la ciudad de Nueva York. En conjunto, estos elementos constituyen una respuesta apasionada a la crisis migratoria mundial y una reflexión sobre el profundo impulso social y político que divide a las personas. Para Ai, estos temas tienen profundas raíces. Experimentó el exilio con su familia de niño, la vida como inmigrante y estudiante de arte en Nueva York y, más recientemente, la brutal represión como artista y activista en China. La exposición se nutre de numerosos aspectos de la trayectoria de Ai como artista visual y arquitecto, y se nutre tanto de su propia experiencia vital como de la difícil situación de las personas desplazadas. En 2016, Ai y su equipo viajaron a 23 países y más de 40 campos de refugiados durante el rodaje de su documental. Flujo humano.
«Las buenas cercas hacen buenos vecinos» es un proverbio popular citado en «Mending Wall» del poeta estadounidense Robert Frost, donde se cuestiona la necesidad de un muro perimetral. Ai eligió este título con una sonrisa irónica y una clara comprensión de cómo las ideas populistas a menudo incitan al miedo y los prejuicios. Los visitantes de la exposición descubrirán que las «buenas cercas» de Ai no son barreras impenetrables, sino adiciones poderosas, envolventes y resonantes al tejido urbano.
Separación de flujo Es un encargo de la artista neoyorquina Tauba Auerbach (nacida en 1981 en San Francisco, California), que transforma el histórico barco de bomberos John J. Harvey en un "barco deslumbrante" contemporáneo. Inventados por el pintor británico Norman Wilkinson durante la Primera Guerra Mundial, los patrones deslumbrantes originales se pintaban sobre los barcos para distorsionar ópticamente sus formas, confundiendo a los submarinos enemigos que rastreaban su distancia, dirección y velocidad. Con sus formas geométricas, los diseños deslumbrantes estaban fuertemente influenciados tanto por el camuflaje animal como por movimientos de vanguardia como el cubismo, el futurismo y el vorticismo. Miles de barcos fueron deslumbrados en el Reino Unido y Estados Unidos, incluyendo en los Astilleros Navales de Brooklyn en la ciudad de Nueva York.
Estructuras Monumentales Es la primera gran exposición de esculturas al aire libre de la artista neoyorquina Carmen Herrera (1915-2022, n. La Habana, Cuba). Ha creado vibrantes pinturas abstractas durante más de 70 años, pero solo recientemente ha recibido su merecido reconocimiento histórico. Las radiantes composiciones de Herrera simplifican las formas dinámicamente yuxtapuestas hasta sus elementos más puros de color y geometría, creando una claridad distintiva e icónica al enfatizar lo que ella considera "la belleza de la línea recta".
Herrera's Estructuras Las series de esculturas son aún menos conocidas. Inspirada por su formación arquitectónica, Herrera comenzó la serie en la década de 1960 con un grupo de bocetos diagramáticos. Imaginó esculturas monocromáticas a gran escala que extenderían la experiencia de sus luminosas pinturas a las tres dimensiones. Hasta hace poco, estas propuestas históricas no se habían materializado. Estructuras MonumentalesEsta notable artista ahora puede compartir sus poderosas estructuras con el público por primera vez.
Conquista Es una nueva y cautivadora performance colectiva concebida por el aclamado artista Pope.L (1955-2023, n. Newark, Nueva Jersey). Se inspira en sus icónicos recorridos en solitario, donde el artista se arrastraba por diversos paisajes urbanos. Recorriendo las calles y parques del centro de Manhattan, Conquest extiende esta irreverente y provocadora tradición de 40 años de performance pública con un ambicioso recorrido grupal en el que participan más de 140 voluntarios.
El artista seleccionó participantes que reflejan la diversidad cultural y demográfica de la ciudad de Nueva York para recorrer en relevos una ruta de 1.5 kilómetros desde el parque infantil John A. Seravalli del West Village hasta Union Square, pasando por el arco del triunfo del parque Washington Square. Gateando juntos, desconocidos experimentan la lucha y la vulnerabilidad de renunciar a sus privilegios físicos, satirizando su propia ventaja social y política. A medida que se desarrollaba la Conquista de Pope.L, todos recibimos una perspectiva del poder y las contradicciones de la acción colectiva.
Exhibida en las orillas de este antiguo puerto de embarque, Atlántico negro Es una exposición inspirada en la diáspora transoceánica que conecta África con América y Europa. A lo largo de los siglos, estas redes transatlánticas han dado lugar a complejas culturas e identidades híbridas, como las de los cinco artistas que aparecen en Black Atlantic. Cada encargo propone un enfoque creativo único para forjar nuevas identidades y futuros a través de los gestos personales del trabajo artesanal, a menudo en diálogo con los procesos de fabricación a gran escala. Los artistas han explorado tanto historias globales como experiencias personales para crear estas cautivadoras obras, tan innovadoras en forma y materiales como impactantes en sus temáticas.
Nacida en Etiopía y actualmente residente en Costa de Marfil, Aïda Muluneh crea fotografías vibrantes que resaltan su identidad nacional, política y cultural. Mediante el uso de metáforas, crea viñetas que retratan poéticamente facetas de sus experiencias como mujer etíope e inmigrante. Muluneh abandonó Etiopía a temprana edad y creció entre Yemen e Inglaterra, pasando posteriormente por Chipre y Canadá antes de asistir a la universidad en Estados Unidos. Su obra refleja su compromiso con la difusión de perspectivas complejas y marcadamente africanas, así como de sus propios viajes por el mundo. Aquí es donde estoy es una exposición de 12 nuevas obras de arte de Muluneh (n. 1974, Addis Abeba, Etiopía) presentadas en más de 330 paradas de autobús de JCDecaux en Nueva York, Boston y Chicago en los Estados Unidos, y en Abidjan en Costa de Marfil.
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