Leilah Babirye, Hugh Hayden, Dozie Kanu, Tau Lewis y Kiyan Williams Atlántico negro

Exhibida en las orillas de este antiguo puerto de embarque, Atlántico negro Es una exposición inspirada en la diáspora transoceánica que conecta África con América y Europa. A lo largo de los siglos, estas redes transatlánticas han dado lugar a complejas culturas e identidades híbridas como las de los cinco artistas que aparecen en... Atlántico negroCada encargo propone un enfoque creativo único para forjar nuevas identidades y futuros a través de los gestos personales del trabajo artesanal, a menudo en diálogo con los procesos de fabricación a gran escala. Los artistas han explorado tanto historias globales como experiencias personales para crear estas cautivadoras obras, tan innovadoras en forma y materiales como impactantes en sus temáticas.

Atlántico negro está co-curada por el artista Hugh Hayden y Public Art Fund Curador adjunto Daniel S. Palmer.

Agalí Awamu (Unión)de 2022
Leilah Babirye (n. 1985, Kampala, Uganda; vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York) presenta dos nuevos grupos de esculturas monumentales de madera de pino blanco. Esculpió estas formas figurativas a mano y con motosierra, aprovechando su formación en técnicas tradicionales africanas. Babirye las ha embellecido quemándolas, bruñéndolas y adornándolas con metal soldado y materiales desechados, transformando los desechos en algo espectacular, mostrando su valor intrínseco. Estas esculturas, a las que ella llama "reinas trans", buscan "erguirse como faros de libertad que acogen a la comunidad LGBTQ+ internacional".

Gulf Stream de 2022
Hugh Hayden (n. 1983, Dallas, Texas; vive y trabaja en la ciudad de Nueva York, NY) concibió esta exposición y también contribuyó con esta obra surrealista. Hayden combinó el exterior de un casco de barco construido con clinker con un interior esquelético similar a una ballena para crear esta embarcación vacía arrastrada por la orilla. La forma y el título "Gulf Stream" hacen referencia y remezclan simultáneamente una pintura de 1899 de Winslow Homer de una figura negra solitaria en circunstancias desesperadas en un barco naufragado en el mar y la reinterpretación de Kerry James Marshall de 2003 que ha transformado la escena en una de ocio. Hayden ve su Gulf Stream escultura como “tanto un barco como un cuerpo, cuyos pasajeros desconocidos pueden haber llegado a salvo o haber sido tragados por el mar”.

En los codosde 2022
Dozie Kanu (n. 1993, Houston, Texas; vive y trabaja en Santarém, Portugal) ha creado un conjunto de objetos surrealistas que resalta las tensiones entre los aspectos públicos y privados del yo. Un recipiente con un líquido negro que late al ritmo de un corazón humano y una chaise longue (típicamente asociada con el psicoanálisis) fundida en hormigón evocan la autorreflexión y también las oscuras profundidades del inconsciente individual y colectivo. Los bordes "Texan Wire Wheels" (también conocidos como "codos" o "swangas") del sofá hacen referencia a la vibrante cultura automovilística "SLAB" de Houston, su ciudad natal. Describe la personalización de automóviles dentro de esta tradición como una "creación libre y lúdica de la propia propiedad material; gestos que encuentro profundamente complejos y complejos, dada la relación que los afroamericanos siguen navegando entre la propiedad y la autonomía".

Apretamos nuestros vientres y pateamos, nos convertimos en algo tan extraño que ya no teníamos depredadores naturales., 2022
Observamos cómo la humanidad evolucionó a medida que nos absorbíamos en el fondo del mar, la luna nos miró y nos dijo que la Tierra tenía un corazón pesado., 2022
Nos preguntábamos si los ángeles nos habían abandonado o si simplemente habían cambiado de forma sin avisarnos. Cada noche, las criaturas desaparecían, cada mañana llegaban extraños., 2022
Tau Lewis (n. 1993, Toronto, Canadá; vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York) se inspiró para crear estas tres esculturas de hierro fundido de casi dos metros de diámetro en sus años de fascinación por los crinoideos, una familia de criaturas marinas que incluye estrellas de mar, erizos de mar, pepinos de mar y sus ancestros prehistóricos. Cada uno de estos animales tiene tallos apilados en forma de disco con diseños únicos. Su simetría de cinco puntas se refleja en las esculturas de Lewis, con patrones repetidos que incorporan símbolos adinkra de África Occidental. Las piezas fundidas de la artista reflexionan sobre el vagabundeo de estos antiguos animales, la dispersión global de sus cuerpos fosilizados y su coexistencia con cuerpos negros sobre y bajo el Atlántico y a lo largo de la diáspora.

Ruinas del Imperiode 2022
Kiyan Williams (n. 1991, Newark, NJ; vive y trabaja en la ciudad de Nueva York, NY) visualiza las "ruinas del imperio" al reimaginar un símbolo icónico de los valores estadounidenses: la Estatua de la Libertad. El monumento de bronce, diseñado por Thomas Crawford, se alza sobre la cúpula del Capitolio de los Estados Unidos en Washington, D. C. desde 1863 (una estructura construida con mano de obra esclava). La superficie de tierra de la adaptación del artista hace que la escultura parezca estar en estado de descomposición y deterioro, "representando cómo los ideales estadounidenses de libertad están vinculados a la subyugación, inspirándose en los clichés de la ciencia ficción de un monumento destruido como la Estatua de la Libertad como símbolo de un mundo arruinado por la devastación ambiental".

Instalada en las orillas de este antiguo puerto marítimo, Atlántico Negro (Atlántico Negro) es una exposición inspirada en la diáspora que atraviesa el océano y conecta África con América y Europa. Durante siglos, estas redes transatlánticas han dado lugar a culturas e identidades híbridas y complejas, como las de los cinco artistas incluidos en Atlántico Negro (Atlántico Negro). Cada encargo plantea un enfoque creativo singular para la construcción de nuevas identidades y futuros a través de gestos personales del trabajo artesanal, a menudo en diálogo con los procesos de fabricación a gran escala. Los artistas han recurrido tanto a historias globales como a experiencias personales para crear estas obras cautivadoras, que son tan ingeniosas en cuanto a la forma y los materiales como poderosas en sus temas.

Agali Awamu (Unión) (Agali Awamu [Unión])de 2022
Leilah Babirye (n. 1985, Kampala, Uganda; vive y trabaja en Brooklyn, NY) presenta dos nuevos grupos de esculturas monumentales de madera de pino blanco. El artista talló estas piezas figurativas con una motosierra ya mano, recurriendo a su formación en técnicas tradicionales africanas. Babirye ha embellecido estas figuras mediante procesos de quemado, bruñido y decoración con metales soldados y materiales de diseño encontrados, de modo tal que el residuo se transforma en algo espectacular y, como resultado, deja ver su valor intrínseco. Estas esculturas, a las que llama “reinas trans”, tienen por objeto “alzarse orgullosas como faros de libertad que acogen a una comunidad LGBTQ+ internacional”.

Corriente del Golfo (La corriente del Golfo)de 2022
Hugh Hayden (n. 1983, Dallas, TX; vive y trabaja en Nueva York, NY) ideó la exposición Atlántico Negro (Atlántico Negro) y también ha contribuido a ella con esta obra de arte surrealista. Hayden combinó el exterior de un barco de casco trincado con un interior en forma de esqueleto de ballena para crear esta embarcación vacía arrastrada a la orilla. La forma y el título, Corriente del Golfo (La corriente del Golfo), de esta obra son una referencia y una “reversión” de una pintura de Winslow Homer de 1899, que muestra un personaje negro solo y en una situación extrema dentro de un bote naufragado en medio del mar, y de la reinterpretación de Kerry James Marshall en 2003, en la que esta escena se convierte en una de ocio. Hayden concibe su escultura como “un barco y un cuerpo, cuyos pasajeros desconocidos pueden haber logrado salvarse, o bien haber sido tragados por el mar”.

Sobre codosde 2022
Dozie Kanu (n. 1993, Houston, TX; vive y trabaja en Santarém, Portugal) ha creado un ensamblaje de objetos surrealistas que pone de aliviar las tensiones entre los aspectos públicos y privados del ser. Un recipiente con líquido negro que late al ritmo de un corazón humano y un diván chaise longue (generalmente asociado con el psicoanálisis) fundidos en hormigón aluden a la introspección ya las turbias profundidades del inconsciente individual y colectivo. Las típicas llantas Texan Wire Wheels (también llamadas “codos” o “swangas”) sobre el diván hacen referencia a la vibrante cultura automovilística “SLAB” de Houston, ciudad natal del artista. Kanu describe la tradición de personalizar los coches como “una forma libre y lúdica de diseño nuestras propias pertenencias materiales, gestos que me parecen sumamente complejos y estratificados dada la relación que los estadounidenses Negros seguimos navegando entre la propiedad y la agencia”.

Apretábamos nuestros vientres y pateábamos nuestros pies, nos volvimos algo tan extraño que ya no teníamos depredadores naturales.), 2022
Vimos a la humanidad evolucionar mientras nos absorbíamos en el fondo del mar, la luna nos miraba fijamente y nos decía que la Tierra tenía un corazón pesado (Vimos evolucionar a la humanidad mientras nos absorbía el fondo del mar, la luna nos miró fija y nos contó que la Tierra tenía un corazón acongojado), 2022
Nos preguntamos si los ángeles nos habían abandonado o si simplemente cambiaron de forma sin avisarnos. Cada noche las criaturas desaparecían, cada mañana llegaban extraños (Nos preguntamos si los ángeles nos habían abandonado, o si simplemente habían cambiado de forma sin avisarnos. Cada noche desaparecían criaturas, cada mañana llegaban extraños), 2022

Tau Lewis (n. 1993, Toronto, Canadá; vive y trabaja en Brooklyn, NY) tomó inspiración para crear estas tres esculturas de hierro fundido de dos metros de diámetro en su “eterna fascinación por los crinoideos”, una familia de criaturas marinas que incluye a las estrellas, los erizos y los pepinos de mar, así como a sus antepasados ​​prehistóricos. El cuerpo de estos animales está formado por un tallo en forma de discos apilados con diseños únicos. La simetría en sus cinco puntas se ve reflejada en las esculturas de Lewis, que exhiben patrones repetidos que incorporan los símbolos adinkra del oeste de África. Con estas piezas de fundición, la artista “reflexiona sobre el desplazamiento de estos animales ancestrales, la distribución global de sus cuerpos fosilizados y su coexistencia con cuerpos Negros, por encima y por debajo del Atlántico y por toda la diáspora”.

Ruinas del Imperio (Ruinas del imperio)de 2022
Kiyan Williams (n. 1991, Newark, NJ; vive y trabaja en Nueva York, NY) concibe estas “ruinas del imperio” mediante la reinterpretación de un símbolo emblemático de los valores estadounidenses: la Estatua de la Libertad del Capitolio. El monumento de bronce diseñado por Thomas Crawford se alza desde 1863 en Washington D. C., sobre la cúpula del Capitolio de Estados Unidos (una estructura construida con mano de obra esclavizada). La superficie arenosa y seca de la versión de Williams hace que la escultura parezca estar en estado de destrucción y deterioro, “lo que refleja el modo en que los ideales estadounidenses de libertad están ligados al sometimiento, y toma como inspiración un tropo muy utilizado en la ciencia ficción: el de un monumento como la Estatua de la Libertad de Nueva York destruida como símbolo de un mundo arruinado por la degradación ambiental”.

Leilah Babirye (nacida en 1985 en Kampala, Uganda) es una artista y activista que vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Estudió arte en la Universidad de Makerere en Kampala, Uganda (2007–2010), y participó en la Residencia Artística de Fire Island en 2015. La artista huyó a Nueva York desde su Uganda natal en 2015 tras haber sido expuesta públicamente como homosexual en un periódico local. En la primavera de 2018, Babirye recibió asilo con el apoyo del Comité de Servicios Africanos y del Proyecto Antiviolencia de Nueva York. En su práctica multidisciplinaria, Babirye toma elementos como madera, cerámica, materiales encontrados y pintura, y los transforma en sujetos figurativos que abordan cuestiones en torno a la identidad, la sexualidad y los derechos humanos. Babirye explora la diversidad de las identidades LGBTQI y confiere a cada sujeto una dignidad majestuosa y una belleza expresiva y tangible. Entre sus exposiciones recientes se encuentran Ebika Bya ba Kuchu mu Buganda (Clanes Kuchu de Buganda) en Gordon Robichaux, Nueva York y Los Ángeles, y en la Stephen Friedman Gallery, Londres;  Vuelo: una historia colectiva (Vuelo: una historia colectiva) en el Hessel Museum of Art, Bard College, Annandale-on-Hudson, Nueva York (bajo la curaduría de Serubiri Moses); Muro de piedra 50 en el Museo de Arte Contemporáneo (CAMH), Houston, Texas; y en el Parque de Esculturas Sócrates, donde se presentaron dos esculturas monumentales por encargo.

Hugh Hayden (n. 1983, Dallas, Texas) considera que la antropomorfización del mundo natural es una lente visceral para explorar la condición humana. Con la madera como medio principal, Hayden recrea objetos cotidianos mediante un proceso de selección, tallado y yuxtaposición con el fin de cuestionar la percepción que tenemos de nosotros mismos, de las demás personas y del entorno. Al trabajar con diversos objetos cargados con historias de capas Múltiples, como troncos desechados, maderas nativas poco comunes, árboles de navidad o esculturas africanas de souvenir, el artista suele combinar especies disímiles y así crear nuevas formas compuestas que también reflejan sus complejos orígenes culturales. Hayden vive y trabaja en Nueva York; Tiene una maestría en Bellas Artes de la Universidad de Columbia y una licenciatura en Arquitectura de la Universidad Cornell. Entre sus últimas exposiciones individuales, se encuentran: Huey, Galería Lisson, Nueva York, 2021; Boogey Men (Los hombres del saco), Instituto de Arte Contemporáneo, Miami, 2021; y Matorral de espinas, por encargo de la Madison Square Park Conservancy, Nueva York, 2022.

Dozie Kanu (n. 1993, Houston, Texas) está radicado en Santarém, Portugal. Su investigación se centra en un concepto de escultura que aborda la producción de objetos que entrañan una tensión entre el uso que se les da y su historia, su memoria y su materialidad. El lenguaje visual de Kanu hace una crítica a los cánones de la historia del arte occidental y, con sutileza y elegancia, revela en los objetos narrativos en torno al colonialismo y la identidad, haciendo hincapié en su condición diaspórica. Entre las exposiciones seleccionadas se encuentran: Midtown (Centro de la ciudad), organizado por Salon 94 y Maccarone Gallery, Lever House, Nueva York, 2017; FUNCIÓN (FUNCIÓN), en The Studio Museum en Harlem, Nueva York, 2019; Transformer: A Rebirth of Wonder (Transformador: el renacer del asombro), en 180 The Strand, Londres, 2019; Retroceso (con Cudelice Brazelton IV), en Aguas Internacionales, Brooklyn, Nueva York, 2020; Owe Deed, One Deep (Debe hacer un acto, uno profundo), en Proyecto Informante Nativo, Londres, 2020; Enzo Mari, bajo curaduría de Hans Ulrich Obrist, en Trienal Milano, 2020; Crack Up – Crack Down (Risa y revolución), en el Centro de Arte Contemporáneo Castillo Ujazdowski, Varsovia, 2020; orden de valor [gentrify.pt] (orden de valor [gentrificar.pt]), en la Galería Madragoa, Lisboa, Portugal, 2021; apuntalar e ignorar (apuntalar e ignorar), en Artes Manuales, Los Ángeles, California, 2021.

Tau Lewis (n. 1993, Toronto, Canadá) vive y trabaja en Nueva York, NY. Ha expuesto en museos e instituciones como la Galería Nacional de Canadá, Ottawa, ON; el MoMA PS1 de Nueva York, NY; el New Museum de Nueva York, NY; el Hepworth Wakefield, Wakefield, Inglaterra; las Galerías de Arte Universitarias, Saskatoon, SK; el Centro de Arte Agnes Etherington, Kingston, ON; la Galería de Arte de Mississauga, Mississauga, ON; y la Art Gallery de la Universidad de York, Toronto, ON. La obra de Lewis se ha incorporado a las colecciones permanentes del Metropolitan Museum of Art, Library Collection, Nueva York, NY; de la Galería Nacional de Canadá, Ottawa, ON; de Biblioteca y Archivos de Canadá, Ottawa, ON; del Instituto de Arte Contemporáneo, Miami, FL; Museo de Arte del Grinnell College, Grinnell, IA; Museo del Hammer, Los Ángeles, CA; y de Prospect 5, Nueva Orleans, LA. Próximamente, presentará una exposición individual en la Haus der Kunst, Múnich, Alemania.

Kiyan Williams (n. 1991, Newark, NJ) se dedica a las artes visuales ya la escritura, además de desempeñarse con fluidez como artista del arte performático, la escultura, el video y el 2D. Al arraigarse a una práctica centrada en el proceso, a Williams le interesan los materiales y los métodos cotidianos y poco convencionales que evocan las fuerzas históricas, políticas y ecológicas que dan forma a los cuerpos individuales y colectivos. Williams obtuvo una licenciatura en Bellas Artes con honores en la Universidad de Stanford y una maestría en Artes Visuales en la Universidad de Columbia. Su obra se ha expuesto en el SculptureCenter, el Jewish Museum, el Brooklyn Museum, el Socrates Sculpture Park, Recess Art y The Shed. Ha dado charlas y conferencias artísticas en el Hirshhorn Museum, el Studio Museum in Harlem, la Universidad de Princeton, la Universidad de Stanford, la Universidad Estatal de Portland, el Guggenheim y el Pratt Institute. La obra de Williams se encuentra en colecciones privadas y públicas como la del Hirshhorn Museum and Sculpture Garden.