Cory Arcangel, Korakrit Arunanondchai, Brian Bress, sue de cerveza, Mary Reid Kelley y Patrick Kelley, Heather Phillipson, martin sims, Mériem Bennani, kate cooper, Cécile B. Evans, GCC, Agnieszka Polonia, Tabor Robak, Jacolby Satterwhite, Hayal Pozanti, Lucas Blalock, Erizku ausente sin permiso, Ed Fornieles, david horvitz, Britta Thie, Hannah Whitaker, Casey Jane Ellison Pausa comercial

Nuestro mundo está cada vez más influenciado por la visualización de información visual. La publicidad digital se ha integrado a la perfección tanto en el ámbito público como en el privado, mientras que los medios de comunicación, desde las redes sociales hasta los teléfonos inteligentes, han transformado nuestra forma de pensar sobre nuestros mundos virtuales y físicos. Corte comercial, una exposición que abarca toda la ciudad, presenta a 23 artistas que han creado interrupciones específicas para cada plataforma dentro de los ciclos publicitarios de algunas de las pantallas digitales más visibles y tecnológicamente avanzadas de la ciudad de Nueva York. Estas incluyen una gran valla publicitaria en Times Square; el "Oculus" del Barclays Center, una marquesina LED de 360 ​​grados en Prospect Heights; 19 pantallas digitales en el Westfield World Trade Center del Bajo Manhattan; cientos de quioscos Link de LinkNYC en los cinco distritos; y PublicArtFund.org, donde la obra se integrará como un anuncio emergente.

Corte comercial se inspira en la serie de exposiciones seminales de la organización Mensajes al público, que se exhibió en el tablero de luz animado Spectacolor de 800 pies cuadrados en Times Square de 1982 a 1990. De manera similar, interrumpiendo el flujo diario de publicidad, pero reflejando la saturación visual actual de las pantallas digitales, los artistas en Corte comercial Representan a una nueva generación que trabaja en medios digitales para crear intervenciones que resuenen con nuestro mundo actual. La variedad de encargos refleja y responde a cuestiones relevantes de nuestro momento actual: las nociones cambiantes de las esferas online y offline y la circulación de imágenes, así como la omnipresencia de la publicidad y su poder para afectar los ámbitos político, social y personal de la sociedad.

Corte comercial is Public Art FundEs la exposición colectiva más grande hasta la fecha y marca la primera vez que se presentan trabajos en los cinco distritos simultáneamente.

Algunas obras están disponibles para ver en el Instituto Cultural de Google. Haga clic aquí.

Corte comercial está comisariada por Public Art Fund Curadores asociados Emma Enderby y Daniel S. Palmer.

ARTISTAS Y SITIOS DESTACADOS:
Times Square: Cory Arcangel, Korakrit Arunanondchai, Brian Bress, Sue de Beer, Mary Reid Kelley y Patrick Kelley, Heather Phillipson y Martine Syms

El “Oculus” del Barclays Center: Meriem Bennani, Kate Cooper, Cécile B. Evans, GCC, Agnieszka Polska, Tabor Robak y Jacolby Satterwhite

Westfield World Trade Center: Hayal Pozanti

Quioscos Link de LinkNYC: Lucas Blalock, Antoine Catala y Gabriel Kahan, Awol Erizku, Ed Fornieles, David Horvitz, Britta Thie y Hannah Whitaker

PublicArtFund.org: Casey Jane Ellison

VISITA A LA EXPOSICIÓN
Corte comercial Estuvo en exhibición del 6 de febrero al 5 de marzo de 2017.

La valla publicitaria de Times Square estaba ubicada en la esquina sureste de la calle 47 y la 7.ª Avenida. Se proyectaban videos de 15 segundos cada 5 a 7 minutos, con un artista diferente cada día de la semana. (Ver horario a continuación).

El “Oculus” del Barclays Center está ubicado en 620 Atlantic Avenue, en la intersección de Atlantic y Flatbush Avenues en Brooklyn. Se presentaron videos de 30 segundos los últimos 45 segundos de cada media hora (6:59.15–6:59.45, 7:29.15–7:29.45, 7:59.15–7:59.45, etc.) desde las 6:00 am hasta las 12:00 am (medianoche) todos los días, y se mostró un artista diferente cada día de la semana.

El Westfield World Trade Center se encuentra en el número 185 de la calle Greenwich, en Manhattan, dentro del complejo del World Trade Center. El video de 10 segundos de Hayal Pozanti se proyectaba simultáneamente cada 100 segundos en las 19 pantallas del complejo.

Las cinco intersecciones clave de los quioscos Link de LinkNYC, donde las obras se exhibieron con frecuencia entre las 5:00 y las 7:00 h, incluyen la calle 86 y la 3.ª avenida; la calle 14 y la 8.ª avenida; Bowery desde las calles Houston hasta Delancey; el bulevar Frederick Douglas (desde las calles 123 hasta la 125); y la calle 34 y la 6.ª avenida (Herald Square). Las obras también se exhibieron aleatoriamente en la red de LinkNYC de los cinco distritos a lo largo del día, y cada día de la semana se exhibió un artista diferente. (Ver el programa a continuación).

PublicArtFund.org presenta el trabajo de Casey Jane Ellison las 24 horas del día, junto con el resto de los videos digitales, imágenes y documentación de la exposición.

Cory Arcangel (Domingos / Times Square)
(n. 1978, Buffalo, NY; vive y trabaja en la ciudad de Nueva York, NY, y Stavanger, Noruega)

Vídeo de Arcangel Surfware Times Squarede 2017
Vídeo de alta definición
Cortesía de Arcangel Surfware

El diverso enfoque artístico de Cory Arcangel se manifiesta en la música, el cine, la pintura, la performance, la publicación, la programación y la manipulación de videojuegos, así como en la apropiación y preservación de materiales digitales. Su interés por el lenguaje y la cultura de internet lo llevó a fundar Arcangel Surfware, una línea de ropa y artículos de estilo de vida, así como un sello editorial, creado en colaboración con el gigante mundial de la mercancía The Bravado Group, una división de Universal Music Group. Este anuncio transmite un mensaje claro con sus cómodos calcetines de tubo y pantalones deportivos de marca: los productos Arcangel Surfware contienen todo lo necesario para relajarse en la cama todo el día y navegar por internet con comodidad.

Korakrit Arunanondchai (Jueves / Times Square)
(n. 1986, Bangkok, Tailandia; vive y trabaja en la ciudad de Nueva York, Nueva York, y Bangkok)

¿Qué nos separa de todo lo que alguna vez existió en este mundo?de 2017
Vídeo de alta definición
Cortesía del artista, CLEARING Nueva York/Bruselas y Carlos/Ishikawa Londres

Ver el vértigo de este mundo y disolverse en la ligereza.de 2017
Vídeo de alta definición
Cortesía del artista, CLEARING Nueva York/Bruselas y Carlos/Ishikawa Londres

Susurrame el coro del nuevo mundode 2017
Vídeo de alta definición
Cortesía del artista, CLEARING Nueva York/Bruselas y Carlos/Ishikawa Londres

Combinando estilos y referencias de la cultura pop tailandesa con cánones históricos del arte, Korakrit Arunanondchai crea instalaciones, videos y performances que cuestionan los efectos del imperialismo, el turismo y la idea de autenticidad.

Para Times Square, Arunanondchai creó tres videos que pueden verse en secuencia o de forma independiente. Las obras nos transportan poéticamente a un viaje entre Tailandia y Nueva York, con viñetas de los abuelos del artista y las protestas postelectorales. Las yuxtaposiciones de los videos —juventud y vejez, pasado y presente, esperanza y pérdida, felicidad y dolor— nos recuerdan conmovedoramente la naturaleza compleja, trágica y a la vez hermosa de la vida.

Mériem Bennani (Sábados / Barclays Center)
(n. 1988, Rabat, Marruecos; vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York)

Tu año de Fardaous Funjabde 2017
Video digital
Con Aisha Bint Gladys y Nazia Malik; maquillaje de Yasmeen Ibrahim; modelado 3D adicional de Salim Bayri; diseño gráfico de Ghazaal Vodjani. Cortesía de la artista y SIGNAL.

La nueva obra de arte de Meriem Bennani para la pantalla "Oculus" del Barclays Center es un anuncio para una línea imaginaria de hiyabs que amplía sus videos "Fardaous Funjab". Esta serie, sobre una emprendedora inventada —una "diseñadora vanguardista de hiyabs"—, aborda los problemas relacionados con el significado cultural del pañuelo y reevalúa las ideas occidentales preconcebidas sobre la vestimenta islámica. Su anuncio especial "Tu Año" propone un calendario inclusivo y multiétnico que unifica las festividades islámicas con las seculares. La celebración del hiyab por parte de la artista y su mensaje de tolerancia resultan en un ingenioso comentario social sobre cómo representamos nuestras identidades. Para este proyecto, trabajó con defensores del hiyab como modelos y asesores para explorar cómo el arte y la moda pueden ser una oportunidad para superar los prejuicios culturales y unir a las personas.

Lucas Blalock (Domingos / LinkNYC)
(n. 1978, Asheville, Carolina del Norte; vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York)

Esta nueva situaciónde 2017
Serie de cuatro imágenes digitales
Cortesía del artista y Ramiken Crucible

Las extrañas fotografías de Lucas Blalock revelan sin rodeos los mecanismos de la manipulación digital. Expone plenamente estas técnicas, que suelen ocultarse para crear cuerpos atractivos y perfeccionados en la publicidad. Al preservar la torpeza de sus alteraciones, y al ofrecer una serie de exhibiciones de perritos calientes blandos, el artista nos presenta una especie de parodia humorística del anuncio perfeccionado, satirizando todo el medio con patetismo y extravagancia.

Brian Bress (Martes / Times Square)
(n. 1975, Norfolk, VA; vive y trabaja en Los Ángeles, CA)

Consonancia y disonancia en cuatro partes para Times Squarede 2017
Vídeo de alta definición
Cortesía del artista y Cherry and Martin, Los Ángeles

Los tres vídeos de Brian Bress muestran cuatro figuras escurridizas en delicado equilibrio, en tensión. Sus sutiles movimientos las hacen emerger en primer plano o mimetizarse con sus audaces fondos gráficos. Los paisajes artificiales y personajes sin rostro de Bress combinan humor y referencias a la historia del arte para crear un cuadro vivo enigmático y sutil con poderosas implicaciones metafóricas.

Antoine Catalá y Gabriel Kahan (Lunes / Link NYC)
(Antoine Catala: n. 1975, Toulouse, Francia, vive y trabaja en la ciudad de Nueva York, NY)
(Gabriel Kahan: n. 1980, Ciudad de México, México; vive y trabaja en Los Ángeles, California)

Entender.nycde 2017
Sitio web HTML, técnica mixta
Programación de Nicholas Woodward; contribuciones de voluntarios
Cortesía de Antoine Catala y 47 Canal, Nueva York; Gabriel Kahan y el Programa de Arte, Cultura y Tecnología del MIT

Entender.nyc es una colaboración entre el artista Antoine Catala y el investigador del MIT Gabriel Kahan. Durante la temporada de Pausa comercialEl dúo utilizó la red de quioscos LinkNYC de toda la ciudad para realizar una convocatoria abierta a miembros del público que participarían en un taller de dos días. Más allá de su círculo inmediato, su objetivo era encontrar un grupo diverso de voluntarios al azar para trabajar en colaboración e identificar una situación común a los participantes. A través de una serie de debates, el grupo seleccionó la pregunta "¿Qué es el amor?" e identificó seis bucles causales: "Realidad", "Amor fantasma", "Imposiblemente", "Amor vivo", "El espejo" y "Desacoplamiento". Mediante la creación colectiva, estos bucles causales se visualizaron como objetos físicos, llamados "azulejos", que se escanearon y se muestran como objetos 3D en http://www.understand.nyc/, donde los visitantes del sitio pueden interactuar con las piezas. También se mostraron en la red de quioscos LinkNYC un día después de la clausura de la exposición.

El proyecto y el taller son una metodología, parte de la investigación continua de Kahan basada en encontrar puntos comunes, en un mundo donde la polaridad, la ansiedad y la incertidumbre nunca han sido más omnipresentes, y constituyen una herramienta simple pero poderosa para comprender mejor nuestra vida cotidiana.

kate cooper (Lunes / Barclays Center)
(n. 1984, Liverpool, Inglaterra; vive y trabaja en Londres, Inglaterra)

Necesitamos santuariode 2017
Video digital
Cortesía del artista.

Kate Cooper manipula digitalmente imágenes de mujeres para cuestionar la estética de la publicidad y las representaciones de la feminidad. En Necesitamos santuarioCooper utiliza figuras generadas por computadora (CG) como protagonistas para considerar su potencial y presentación como entidades autónomas con una lógica propia. Si bien los cuerpos típicos generados por computadora siempre son impecables, aquí las mujeres aparecen "rotas", frustrando la posición habitual que ocupan como versiones perfectas de la forma femenina. El resultado es una obra que contradice su propósito, donde los personajes rechazan su propósito prescrito.

sue de cerveza (Sábados / Times Square)
(n. 1973, Tarrytown, NY; vive y trabaja en la ciudad de Nueva York, NY)

Si vienen por la mañana 1de 2017
Vídeo de alta definición
Con Arianna Gil y Purp Perez Brujas. Cortesía de la artista y la Galería Marianne Boesky.

Si vienen por la mañana 2de 2017
Vídeo de alta definición
Con Arianna Gil y Purp Perez Brujas. Cortesía de la artista y la Galería Marianne Boesky.

Si vienen por la mañana 3de 2017
Vídeo de alta definición
Con Arianna Gil y Purp Perez Brujas. Cortesía de la artista y la Galería Marianne Boesky.

Las películas de Sue de Beer exploran problemáticas sociales en la cultura contemporánea con un estilo visual único de luz de colores, dobles prismáticos y cortes cortos que crean un atractivo encanto cinematográfico. Sus contribuciones a esta exposición presentan a dos jóvenes skaters urbanas del grupo feminista "Brujas" del Bronx, quienes consideran sus intervenciones en la ciudad y la cultura callejera urbana como un acto profundamente político. Su fuerte presencia en una pantalla publicitaria en el centro de la ciudad, las imágenes de sus héroes políticos y el llamamiento final de De Beer, "No lloren, organícense", transmiten un poderoso mensaje sobre la naturaleza radical de sus acciones.

Casey Jane Ellison (Diario / PublicArtFund.org/CommercialBreak)
(n. 1988, Los Ángeles, CA; vive y trabaja en Los Ángeles, CA)

Pausa publicitaria con Casey Jane Ellisonde 2017
Vídeo con sonido
Cortesía del artista.

Casey Jane Ellison es comediante, artista y escritora. Trabajando con performance y video, sus obras a menudo abordan con humor la cultura televisiva y de las celebridades, el feminismo, las políticas de identidad y la historia del arte. En consonancia con la omnipresencia de la publicidad y los mensajes en línea, Public Art Fund Invitó a Ellison a desarrollar una serie de anuncios emergentes para la página principal de la exposición. Ellison creó un episodio —con pausas donde las obras de la exposición se presentan como anuncios— donde reflexiona sobre los peligros del pan y el fascismo.

Erizku ausente sin permiso (Jueves / LinkNYC)
(n. 1988, Addis Abeba, Etiopía; vive y trabaja en la ciudad de Nueva York, NY y Los Ángeles, CA)

Breches Brewde 2017
Imagen digital
Cortesía del artista y Night Gallery, Los Ángeles

Sin título (Estudio de una mano sosteniendo una rosa)de 2017
Imagen digital
Cortesía del artista y Night Gallery, Los Ángeles

Preludio a la serendipia En colaboración con Sarah Linebergerde 2017
Imagen digital
Cortesía del artista y Night Gallery, Los Ángeles

Tinashede 2017
Imagen digital
Cortesía del artista y Night Gallery, Los Ángeles

Las fotografías de Awol Erizku se centran en las formas en que las personas de color se representan a sí mismas, así como en cómo son retratadas en el mundo del arte, la publicidad y los medios de comunicación. Los cuadros y retratos del artista hacen referencia a imágenes históricas, exploran la alta costura, dialogan con la cultura callejera y evocan el arte de los antiguos maestros. Su serie de obras para Corte comercial fusionar estas diversas referencias y estilos, así como tropos reconocibles con las atractivas imágenes de naturalezas muertas florales contemporáneas para producir fotografías impactantes que nos obligan a escudriñar el poder de las imágenes que proliferan en el mundo actual.

Cécile B. Evans (Martes / Barclays Center)
(n. 1983, Cleveland, Ohio; vive y trabaja en Londres, Inglaterra)

Un recuerdo puede vivirde 2017
Vídeo, color, sin sonido.
Modelado 3D de Hossein Diba; renders adicionales de Andres Parody y Tom Kemp; animación y composición de Otavio Lima y Tom Kemp. Animación original de personajes de Lo que el corazón quiere, 2016, encargado conjuntamente por la 9ª Bienal de Berlín, el Museo De Hallen Frans Hals, Kunsthalle Winterthur y Kunsthalle Aarhus.
Cortesía del artista y Emanuel Layr Galerie, Viena

Un recuerdo puede vivir es la historia del origen de Lo que el corazón quiereInstalación de video de Cécile B. Evans de 2016 encargada por la 9ª Bienal de Berlín. Lo que el corazón quiere explora lo que podría significar ser humano en el futuro y qué constituye “una persona”. HYPER, el narrador de Lo que el corazón quiere, se presenta como un nuevo sistema, introduciendo a los espectadores a un tiempo futuro llamado "después de k", y propone una solución al colapso de la WWW. En Un recuerdo puede vivirHYPER presenta un anuncio de servicio público para empezar de cero: una página de documento en blanco y editable donde los usuarios pueden recopilar sus ideas y comenzar nuevas conversaciones libres de interfaces y cronogramas complicados.

Ed Fornieles (Martes / LinkNYC)
(n. 1983, Petersfield, Inglaterra; vive y trabaja en Montreal, Canadá)

¿Eres un Pepe?de 2017
Imagen digital
Cortesía del artista.

Guerra de memes papá 1de 2017
Imagen digital
Cortesía del artista.

Guerra de memes papá 2de 2017
Imagen digital
Cortesía del artista.

¿Eres un Wojak?de 2017
Imagen digital
Cortesía del artista.

Balbuceode 2017
Imagen digital
Cortesía del artista.

Algarabíade 2017
Imagen digital
Cortesía del artista.

Chusmade 2017
Imagen digital
Cortesía del artista.

balbuceode 2017
Imagen digital
Cortesía del artista.

Desde instalaciones hasta comedias de situación en Facebook, Ed Fornieles entrelaza espacios online y offline, utilizando avatares, fuentes de datos y tendencias de noticias para profundizar en nuestra realidad posdigital. Para LinkNYC, Fornieles ha creado dos conjuntos de obras que buscan generar conversaciones que confronten las "burbujas" políticas.

La primera serie de imágenes, que se exhibe durante la primera mitad de la exposición, explora la apropiación de los memes como símbolos de ideologías políticas y los bandos que conforman. Los dos memes utilizados por Fornieles son el controvertido Pepe the Frog y Wojak, el "Feels Guy". Aunque inocentemente creado en 2008, la imagen de Pepe había sido apropiada por la extrema derecha a principios de 2016, convirtiéndose en sinónimo del movimiento. Wojak, usado para representar sentimientos como la melancolía y la soledad, comenzó a aparecer junto a Pepe como su víctima de diversos delitos.

El segundo conjunto de imágenes—Balbuceo, parloteo, charlatanería, parloteo—Anuncia una "Serie de Conversaciones Políticas" que el artista planea activar después de la exposición para fomentar un mayor diálogo sobre las divisiones políticas. Cada obra señala una postura en el espectro político, desde la izquierda radical hasta la derecha.

Las obras de Fornieles para esta exposición se inspiran en un momento actual con referencias históricas, donde las ideologías se representan a través de códigos, símbolos, individuos y lenguaje. Sin embargo, hoy en día, internet ofrece la plataforma óptima para su circulación y asimilación.

GCC (Jueves / Barclays Center)
Nanu Al-Hamad (n. 1987, Ciudad de Kuwait, Kuwait; vive en la Ciudad de Nueva York, NY), Khalid Al Gharaballi (n. 1981, Ciudad de Kuwait, Kuwait; vive en la Ciudad de Kuwait, Kuwait), Abdullah Al-Mutairi (n. 1990, Ciudad de Kuwait, Kuwait; vive en la Ciudad de Nueva York, NY), Fatima Al Qadiri (n. 1981, Dakar, Senegal; vive en la Ciudad de Nueva York, NY), Monira Al Qadiri (n. 1983, Dakar, Senegal; vive en Beirut, Líbano), Aziz Al Qatami (n. 1979, Ciudad de Kuwait, Kuwait; vive en la Ciudad de Kuwait, Kuwait), Barrak Alzaid (n. 1985, Ciudad de Kuwait, Kuwait; vive en Dubái, Emiratos Árabes Unidos), Amal Khalaf (n. 1982, Singapur; vive en Londres, Inglaterra)

Mi visiónde 2017
Video digital
Cortesía de los artistas.

Fundado en la sala VIP de Art Dubai en 2013, el colectivo GCC busca investigar la cultura contemporánea de la región del Golfo Pérsico. Circulando por el "Oculus" del Barclays Center, imágenes digitales de óleos de los miembros de GCC se presentan en el papel de "Baba" o Padre, un título usado frecuentemente por líderes políticos de Oriente Medio. Sus ojos pintados reproducen variaciones de la mirada que se encuentra en los retratos tradicionales de jefes de estado, desde el líder "visionario" hasta las miradas punitivas de un dictador. Los ojos del Gran Baba siempre están observando.

david horvitz (Miércoles / LinkNYC)
(n. 1981, Los Ángeles, CA; vive y trabaja en Los Ángeles, CA)

Para Kiyoko, de Amachede 2017
Imagen digital
Cortesía del artista y Chert Lüdde, Berlín

David Horvitz trabaja con distintos medios, a menudo utilizando poéticamente los sistemas de circulación para analizar patrones de movimiento. Recopila y distribuye imágenes y objetos a través de diversos medios, desde internet hasta bibliotecas.

En los quioscos de LinkNYC, Horvitz muestra una imagen sencilla de un cielo nocturno, con un breve texto que se dirige directamente al espectador: una referencia a eslóganes publicitarios. Sin embargo, las palabras no constituyen una declaración benévola, sino que hacen una conmovedora referencia a su abuela, quien estuvo encarcelada en un campo de internamiento en Estados Unidos. Las instalaciones funcionaron durante cuatro años tras el bombardeo japonés de Pearl Harbor en 1941 y albergaron a entre 110,000 y 120,000 estadounidenses de origen japonés. Los campos se implementaron tras numerosas leyes de exclusión que prohibieron la inmigración procedente de países asiáticos, como Japón y China. La obra es un recordatorio personal, pero a la vez universal, oportuno y elegíaco para tener en cuenta el pasado, especialmente al forjar el futuro.

Mary Reid Kelley y Patrick Kelley (Lunes / Times Square)
(Mary Reid Kelley: n. 1979, Greenville, Carolina del Sur; vive y trabaja en Olivebridge, Nueva York)
(Patrick Kelley: n. 1969, Bloomington, Minnesota; vive y trabaja en Olivebridge, Nueva York)

Carne de Cretade 2016
Vídeo HD, sin sonido, editado desde Pasífae de Swinburne (2014)
Cortesía de los artistas, Galería Pilar Corrias y Fredericks & Freiser

Mary Reid Kelley y Patrick Kelley crean videos en blanco y negro repletos de referencias históricas que exploran la condición de la mujer a lo largo de la historia combinando poesía rica en juegos de palabras, personajes ficticios y entornos utópicos. Su nuevo video, titulado Carne de Creta, adaptado de su trabajo de 2014 Pasífae de SwinburneFusiona la antigüedad clásica con la cultura pop. Proyectado en el contexto de Times Square, este vídeo se convierte en una sátira de la publicidad, resaltando las peculiaridades del deseo.

Heather Phillipson (Miércoles / Times Square)
(n. 1978, Londres, Inglaterra; vive y trabaja en Londres, Inglaterra)

¿CUÁL ES EL DAÑO?de 2017
Vídeo de alta definición
Cortesía del artista.

Los vídeos e instalaciones escultóricas de Heather Phillipson son una oleada de imágenes, ruidos, colores y palabras que, juntos, forman complejas digresiones poéticas sobre nuestro momento contemporáneo. ¿CUÁL ES EL DAÑO? Transmite la energía y la emoción de la protesta política. La obra fusiona representaciones de destrucción —animales desollados, dinero volando, tierra fracturada, cielos sangrientos, drones, guerra, piel de gallina, huesos de pollo y riñones que dan vueltas— para reflejar un momento caótico y urgente en Times Square.

Agnieszka Polonia (Domingos / Barclays Center)
(n. 1985, Lublin, Polonia; vive y trabaja en Berlín, Alemania)

El sol que llorade 2017
Video digital
Cortesía del artista y Zak | Galería Branicka, Berlín

Los videos de Agnieszka Polska suelen comenzar con material encontrado, desde fotografías de archivo hasta ilustraciones, que manipula mediante animación y collage. Sus temas se basan en eventos y personajes del pasado para demostrar cómo la historia puede ser ficcionalizada, borrada o reescrita.

El sol que llora es una película animada inspirada en el poema infantil Lo que el sol ha vistoDe Maria Konopnicka, influyente poeta polaca del positivismo del siglo XIX, traductora, periodista y activista progresista por los derechos de las mujeres y la independencia de Polonia. Entre los temas comunes de la obra de la poeta se encuentran la pobreza del campesinado y su opresión; este poema narra, con un aire infantil, la vida cotidiana, los rituales y las actividades del campo, vistos desde la perspectiva del sol. En el vídeo de Polska, el sol, aunque brillante e infantil, empieza a llorar, convirtiéndose en una poderosa metáfora del dolor de ser un espectador pasivo sin capacidad para actuar.

Hayal Pozanti (Diario / Westfield World Trade Center)
(n. 1983, Estambul, Turquía; vive y trabaja en Queens, Nueva York)

TERNURA INCESANTEde 2017
19 animaciones de vídeo de un solo canal
Cortesía del artista y Jessica Silverman Gallery

Como parte de su práctica, Hayal Pozanti ha ideado su propio alfabeto enigmático de formas abstractas, expresado en pinturas multicolores e imágenes digitales. Sus variaciones de estos 31 signos resaltan el papel de la tecnología y el lenguaje en la cultura, y cómo se transmite y recibe la información en nuestra era digital basada en datos. Sus combinaciones marcan las diferencias entre los seres humanos y la inteligencia artificial para enfatizar el valor de las emociones y los puntos en común que compartimos como especie. TERNURA INCESANTE, que fue encargado por Public Art Fund Para las 19 pantallas digitales del Westfield World Trade Center, aparece en el ciclo publicitario como un marcado contraste entre lenguajes familiares y desconocidos. Su alfabeto de formas flota en el fondo, mientras que su traducción al inglés deletrea las palabras "RELENTLESS TENDERNESS" (Ternura sin límites), que se desplazan por la pantalla. Esta expresión distintivamente humana nos diferencia de la inteligencia artificial para enfatizar el valor de las emociones y los puntos en común que compartimos como especie. Esto refleja la petición de la artista de tolerancia, comprensión y empatía en el mundo actual.

Tabor Robak (Viernes / Barclays Center)
(n. 1986, Portland, Oregón; vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York)

Demostración líquidade 2016
Video digital
Cortesía del artista.

Las imágenes y vídeos generados por ordenador de Tabor Robak fusionan la animación 3D, los videojuegos y el lenguaje del marketing para crear una tensión instructiva entre la realidad y la simulación. Para "Oculus" del Barclays Center, Robak empleó un método innovador para crear su nueva y colorida obra de arte. El artista animó patrones de movimiento algorítmicos de videojuegos y los transformó en brillantes remolinos de color que llenan la pantalla y convierten la impresionante pantalla de 360 ​​grados en una dinámica corriente de color líquido que envuelve al público.

Jacolby Satterwhite (Miércoles / Barclays Center)
(n. 1986, Columbia, Carolina del Sur; vive y trabaja en la ciudad de Nueva York, NY)

El espacio segurode 2017
Animación de vídeo
Cortesía del artista y Moran Bondaroff Gallery

Los videos de Jacolby Satterwhite sobre entornos inspirados en la ciencia ficción utilizan la performance y la animación 3D para explorar la memoria y la historia personal. Su nuevo trabajo para el Barclays Center presenta un video de realidad virtual de 360 ​​grados. Su escena futurista presenta un paisaje extraterrestre con brillantes máquinas giratorias y figuras danzantes que cautivan al espectador con su atractivo inmersivo.

martin sims (Viernes / Times Square)
(n. 1988, Los Ángeles, CA; vive y trabaja en Los Ángeles, CA)

Lección LXXVde 2017
Video digital
Cortesía del artista y Bridget Donahue Gallery

Profundamente influenciada por el cine y la televisión, la obra multimedia de Martine Syms examina las representaciones de la negritud y su relación con la comedia situacional estadounidense, el lenguaje, el cine y los movimientos feministas. Su nuevo video, Lección LXXV, es una continuación de su serie actual que comenzó con la artista creando comerciales sobre las "lecciones" descritas en el libro de prosa de Kevin Young, El Álbum Gris: Sobre la Negrura de la Negrura. Mientras que el anterior Lecciones han presentado videos personales y encontrados, para Times Square Syms creó un autorretrato conmovedor pero inquietante con connotaciones cargadas.

Britta Thie (Viernes / LinkNYC)
(n. 1987, Minden, Alemania; vive y trabaja en Berlín, Alemania)

El Superhost, Avance, 2017
Video digital
Cortesía del artista.

El SuperhostPóster, 2017
Imagen digital
Cortesía del artista.

La ansiedad golpeade 2013
Imagen digital,
Fotografía de Kerstin Zu Pan; estilismo de Julia Burlingham. Cortesía de la artista.

La obra de Britta Thie examina la condición humana a través de telenovelas, publicidad y la compleja y fluctuante relación entre el yo y la representación digital. La serie web de seis partes de la artista, Translántica, dramatizó las características de los millennials, a través de personajes en línea, y la fluidez de la identidad y la nacionalidad.

Para los quioscos de LinkNYC, Thie lanza un comercial para su próxima serie de seguimiento. El SuperhostAmbientada en un apartamento ficticio de Airbnb, esta comedia satírica se centra en la autocomprabilidad postdigital, lograda mediante sistemas de calificación en línea. La comedia se presentó en vivo en junio de 2016, y las grabaciones en vivo y los ensayos conforman la serie web final, con animación adicional y una pista de risas que corresponde a las estrellas de calificación. La serie se estrena en marzo de 2017 en ARTE.TV como serie web. Para más información, visite the-superhost.com.

Hannah Whitaker (Sábados / LinkNYC)
(n. 1980, Washington, DC; vive y trabaja en la ciudad de Nueva York, NY)

Paso 1de 2017
Imagen digital
Cortesía del artista y M+B Gallery

Paso 2de 2017
Imagen digital
Cortesía del artista y M+B Gallery

Paso 3de 2017
Imagen digital
Cortesía del artista y M+B Gallery

Paso 4de 2017
Imagen digital
Cortesía del artista y M+B Gallery

Hannah Whitaker comienza a crear sus fotografías con una técnica que quizá no implique píxeles digitales, pero que evoca las primeras tarjetas perforadas de las computadoras que permitían el procesamiento de datos. Crea una serie de pantallas que (sección por sección) exponen a sus sujetos sobre la película. Mediante este proceso meticuloso y repetitivo, ha creado un conjunto de imágenes para... Corte comercial Con cuerpos en movimiento enmarcados en coloridas formas geométricas. De esta manera, utiliza técnicas de procesamiento digital de información y animación rudimentaria para crear impactantes fotografías que evocan la tecnología digital histórica. Estas referencias a los pioneros innovadores del diseño gráfico y la publicidad de forma iterativa añaden un toque de fantasía y color a nuestro dinamismo urbano.