Sala de trenes de Moynihan

Public Art Fund Fue invitado por Empire State Development a desarrollar y dirigir un programa de ambiciosas instalaciones artísticas para tres sitios destacados dentro del Train Hall. En consonancia con la integración arquitectónica de lo antiguo y lo moderno en el edificio rediseñado, el programa artístico encargó a tres de los artistas más destacados del mundo la creación de obras de arte a gran escala, específicas para cada sitio, que reflexionan ampliamente sobre las nociones de pasado, presente y futuro. Estos encargos tan diferentes, a cargo de Stan Douglas, Elmgreen & Dragset y Kehinde Wiley, demuestran el ingenio y la visión de cada artista.

Stan Douglas ha explorado la historia de la estación original de Pensilvania, dando vida pictórica heroica a narrativas de diferentes épocas utilizando las tecnologías digitales más avanzadas de la actualidad. Elmgreen & Dragset han soñado con una metrópolis global imaginaria, transformándola en una escultura, invertida, que irradia la irresistible energía urbana de la ciudad. Utilizando vidrieras iluminadas e inspirándose en los techos con frescos clásicos, Kehinde Wiley ha adaptado los movimientos del breakdance —una forma originada en las calles del Bronx— en una alegoría lírica de la expresión humana dinámica. Caracterizadas por audaces yuxtaposiciones de lo antiguo y lo nuevo, estas obras encargo son emblemáticas de los constantes estados de innovación y transformación que caracterizan a Nueva York. Son cautivadoras e impactantes en diferentes sentidos, cada una inspirada en el rico patrimonio neoyorquino, su gente diversa y talentosa, y su espíritu creativo. Juntas, otorgan una deslumbrante definición artística al carácter generoso y cívico del Moynihan Train Hall.

Desde finales de la década de 1980, Douglas ha utilizado la fotografía, el cine y el teatro para reconsiderar la historia y los medios de su documentación, que definen su forma en nuestra memoria colectiva. Fruto de una exhaustiva investigación histórica, las obras de Douglas aportan un nuevo enfoque a eventos pasados ​​por alto, específicos de un lugar en particular. Con frecuencia se centra en momentos íntimos y locales de espectáculo y conmoción que hablan de cambios sociales más amplios. Al reescenificar estos eventos, Douglas hace referencia conscientemente a las tecnologías que emplea para darles vida. En El medio siglo de Penn StationLas representaciones de artistas de vodevil, las escenografías de Hollywood y las campañas publicitarias con fotomurales evocan el propio proceso artístico de Douglas, sugiriendo que la documentación fotográfica tiene el potencial de ser un medio tanto de fantasía como de verosimilitud. Concebidas específicamente para la serie de cuatro nichos arquitectónicos que anclan la pared trasera de la Sala de Espera con Boletos, las nueve escenas individuales están conectadas por múltiples hilos narrativos e introducen sutiles detalles que se revelan al examinarlas detenidamente. El medio siglo de Penn Station es el primer encargo público permanente del artista en los Estados Unidos.

Stan Douglas (n. 1960, Vancouver, Canadá; vive y trabaja en Vancouver)
El medio siglo de Penn Stationde 2020
Tinta cerámica sobre vidrio
Nueve paneles fotográficos instalados en cuatro nichos: cada nicho mide 6′ 7 5/8” de alto x 22′ 2 ½” de ancho x ½” de profundidad.
Encargado por Empire State Development en asociación con Public Art Fund

Titulación de la obra La colmenaLos artistas sugieren un vínculo entre las estructuras naturales y las construidas por el hombre, como la compleja y cambiante arquitectura de una colmena. También han comparado los edificios que se alzan sobre el techo con estalactitas luminosas que rinden homenaje a las ciudades altamente desarrolladas en las que vivimos hoy, a la vez que nos recuerdan nuestros orígenes cavernícolas. Familiar y a la vez extraña, esta misteriosa representación híbrida de un centro urbano resalta la globalización del diseño arquitectónico y evoca la influencia e interconexión de las grandes ciudades del mundo. Como un reflejo invertido del paisaje urbano justo al otro lado de las puertas del vestíbulo del tren, La colmena expresa la idea esencial de la ciudad de Nueva York como un crisol donde culturas, nacionalidades y etnias coexisten para convertirse en algo más que la suma de sus partes.

Desde 1995, Elmgreen & Dragset han creado esculturas e instalaciones que inspiran nuevas perspectivas sobre las estructuras y sistemas que rigen nuestras vidas. Sus obras transponen y reubican objetos cotidianos en configuraciones y entornos inesperados, a menudo con humor subversivo. Mediante la recontextualización de lo familiar, los artistas transforman los elementos cotidianos de nuestro entorno vital —cajeros automáticos, tuberías de alcantarillado, piscinas suburbanas—, invitando a nuevas narrativas y activando asociaciones con tensiones sociales más amplias. La estrategia de desplazamiento de Elmgreen & Dragset transforma fundamentalmente nuestra percepción del entorno y, a menudo, se resiste a las nociones de conformidad dentro de nuestros entornos construidos y socioculturales. En consonancia con su práctica y en diálogo visual con las obras de los artistas. Magic Mushrooms (2015) y Ciudad en el cielo (2019) La colmena Nos permite una sorprendente relación perceptual y espacial con una vista familiar: el horizonte de la ciudad. La imponente estatura de los rascacielos invertidos es a la vez imponente y cautivadora. Evoca la atracción magnética de las ciudades y la continua urbanización de nuestro mundo. Con edificios de hasta 2,7 metros de altura que integran más de 1.3 km de tiras LED, esta es una de sus instalaciones técnicamente más complejas. La colmena es la primera escultura pública permanente de los artistas en Nueva York.

Elmgreen y Dragset
Michael Elmgreen (n. 1961, Copenhague, Dinamarca; vive y trabaja en Berlín, Alemania), Ingar Dragset (n. 1969, Trondheim, Noruega; vive y trabaja en Berlín, Alemania)
La colmenade 2020
Acero inoxidable, aluminio, policarbonato, luces LED y laca.
45' 5” de largo x 22' 5” de ancho x 12' de profundidad
Encargado por Empire State Development en asociación con Public Art Fund

Durante las últimas dos décadas, Wiley ha ganado reconocimiento por sus pinturas altamente naturalistas de personas negras y morenas en poses y formatos extraídos del canon histórico del arte occidental. Con frecuencia ha invitado a jóvenes que conoce en centros urbanos de todo el mundo a encarnar una pose de su elección de los retratos de antiguos maestros europeos, subrayando las complejas y persistentes historias sociopolíticas que han determinado la exclusión de las personas de color de gran parte de la historia del arte. En los últimos años, Wiley ha expandido su práctica a los géneros de la estatuaria y el monumento público, así como al medio de la vidriera. La obra de tres partes, retroiluminada, responde astutamente a su contexto arquitectónico, evocando los tragaluces del Moynihan Train Hall e incorporando detalles de la herrería ornamental de la fachada del edificio en la elaborada moldura que enmarca la composición. Go es su primera instalación permanente y específica en vidrio.

Kehinde Wiley (n. 1977 en Los Ángeles, California; vive y trabaja en la ciudad de Nueva York y Dakar, Senegal)
Gode 2020
Vitral con marco de aluminio, moldura de yeso, estructura de acero y panel de luz LED.
17'6” de largo x 55'8” de ancho x 10” de profundidad
Encargado por Empire State Development en asociación con Public Art Fund