Terminal B del Aeropuerto LaGuardia

Docenas de coloridas y reflectantes esculturas de acero con forma de globo, obra del artista Jeppe Hein, se distribuyen por la Terminal B, como si se hubieran lanzado al aire y flotado hasta el techo desafiando la gravedad. Dispersos por cada esquina como un rastro de migas de pan de cuento de hadas, los globos, brillantemente juguetones, de Hein invitan a los espectadores a mirar al cielo y a dejarse llevar por la maravilla. A nivel del suelo, las ingeniosas y extravagantes esculturas de banco de Hein reinventan una forma familiar de asiento público, convirtiendo un objeto funcional en una obra de arte lírica y evocadora. Tres bancos de color rojo brillante se curvan, forman bucles y giran para formar una irresistible invitación a la expresión espontánea y la conexión social. Ofreciendo un momento de respiro a innumerables viajeros, los bancos de Hein ofrecen nuevas perspectivas sobre nosotros mismos, los demás y los espacios que tenemos en común.

Durante más de dos décadas, Hein ha creado esculturas e instalaciones que cuestionan la relación tradicional entre la obra de arte y el espectador. A menudo en forma de intervenciones en espacios públicos, sus instalaciones fusionan lo conceptual con lo experiencial y se activan con la participación de los espectadores. En la obra de Hein, medios aparentemente sencillos y familiares —texto, espejos, agua, pinceladas y objetos utilitarios y decorativos comunes— se introducen en contextos inesperados o se les dota de comportamientos inquietantes. Estas irónicas yuxtaposiciones provocan respuestas de sorpresa y encanto que nos incitan a considerar nuevas formas de relacionarnos con nuestro mundo y con nosotros mismos. Características de la práctica de Hein, las dos formas de "escultura social" instaladas en la Terminal B fueron concebidas con una intención sincera: despertar alegría, alterar las percepciones, abrir al espectador a nuevas experiencias y crear las condiciones que fomenten momentos de empatía y compañerismo en medio del ajetreo de un concurrido centro de tránsito. La elegante estética de los objetos de Hein se inspira en las tradiciones del minimalismo y el arte conceptual de la década de 1970, pero a pesar de su simplicidad formal, cada una de sus obras se elabora artesanalmente mediante procesos técnicos rigurosos y exigentes. Hein vive y trabaja en Berlín.

Para obtener más información sobre Jeppe Hein, visite www.jeppehein.net

(n. 1974, Copenhague, Dinamarca)
Todos tus deseosde 2020
Instalación de 70 globos de espejo (acero inoxidable recubierto de PVD) y 3 bancos sociales modificados (aluminio recubierto de polvo)
Globos: 1'4” de alto x 11” de ancho x 11” de profundidad cada uno
Bancos: A) 2'6” de alto x 7'7” de ancho x 4'2” de profundidad; B) 5' 6” de alto x 17'8” de ancho x 5'4” de profundidad; C) 2'9” de alto x 5'6” de ancho x 1'4” de profundidad
Encargado por LaGuardia Gateway Partners en asociación con Public Art Fund

Jeppe Hein agradece a su estudio (Stephan Babendererde, Robert Banovic, Lutz Herrmann) y a VRH Construction (Rob Carr, Nick Castronova, Kevin Curran, Dean Haussel).

La artista Sabine Hornig Vistas de La Guardia Altera nuestra percepción del paisaje urbano. Su collage de fotos transparentes llena una amplia fachada de cristal, permitiendo que la luz del sol sumerja a los visitantes en una mezcla caleidoscópica de color, imagen y texto a medida que se desplazan por el Connector. La detallada composición fusiona más de 1,100 fotografías de la ciudad de Nueva York en un par de paisajes urbanos entrelazados. Los edificios, retratados en tonos azules crepusculares, se elevan hasta las cimas de rascacielos invertidos que reflejan el dorado sol matutino. El título de la obra hace referencia a Fiorello La Guardia, fundador del aeropuerto y alcalde de la ciudad de Nueva York de 1934 a 1945. Hornig ha incluido 20 citas de y sobre La Guardia, que nos recuerdan el poder del liderazgo visionario para moldear nuestro entorno compartido.

En su práctica, que abarca tres décadas, Hornig ha combinado la fotografía, la escultura y la instalación para producir imágenes y entornos que sumergen al espectador en un mundo reimaginado. Sus obras exploran la tensión entre la superficie y el espacio tridimensional, a menudo considerando medios arquitectónicos transparentes como el vidrio simultáneamente como superficie, sujeto y portal. Las composiciones de Hornig, densamente collageadas, superponen perspectivas fotográficas divergentes para revelar un nuevo terreno perceptual y conceptual. Al superponer imágenes impregnadas de significado cultural y político, examina las estructuras e historias que continúan influyendo en nuestra experiencia colectiva. Vistas de La GuardiaEn esta instalación, la más grande de Hornig hasta la fecha, la artista utilizó la cámara de mayor resolución disponible comercialmente para capturar tanto minuciosos detalles arquitectónicos como momentos efímeros de la vida de la ciudad de Nueva York. Su paisaje urbano reinventado integra su investigación sobre la vida y el legado de Fiorello La Guardia en una única imagen monumental que aborda las nociones de tiempo, lugar, historia y memoria. Hornig vive y trabaja en Berlín.

Para obtener más información sobre Sabine Hornig, visite

http://www.sabine-hornig.de

(n. 1964, Pforzheim, Alemania Occidental)
Vistas de La Guardiade 2020
Tinta látex y vinilo montado sobre vidrio.
42' de alto x 268' de ancho
Encargado por LaGuardia Gateway Partners en asociación con Public Art Fund

Textos citados cortesía de:

Ronald H. Bayor, Fiorello La Guardia: etnicidad, reforma y desarrollo urbano. Hoboken, Nueva Jersey: Wiley, 2018; Alyn Brodsky, El Gran Alcalde: Fiorello La Guardia y la creación de la ciudad de Nueva YorkNueva York: St. Martin's Press, 2003; Colección Fiorello H. La Guardia, Archivos La Guardia y Wagner, La Guardia Community College, CUNY, Long Island City, NY; The New York Times Máquina del tiempo; Daniela Rossini, Woodrow Wilson y el mito americano en Italia. Cambridge, MA: Harvard University Press, 2008; Mason B. Williams, Ciudad de ambición: FDR, La Guardia y la creación del Nueva York moderno. Nueva York: WW Norton, 2013.

Sabine Hornig agradece a Arnold Dreyblatt, Markus Hannes, Bettina Hertrampf, Dirk Lebahn, Hilette Lindeque, Mark Pokorny, Martin Rossmann, Annette Überlein, Edye Weissler, ColorX (Serhat Cokuk, Gary Teich), Grieger GmbH (Jörg Lotz, Ute Zeise), Phase One, Heinz Papst, The Municipal Archives New York, The New York Times Archive, The Public Biblioteca, Ronald H. Bayor, Adrian Benepe, Joel Draper, Thomas Kessner, Mason B. Williams y Tanya Bonakdar Gallery Nueva York-Los Ángeles.

El mural de mosaico de Laura Owens considera cada curva, esquina y plano del muro interior más grande del aeropuerto, transformándolo en una celebración de la ciudad de Nueva York. Contra un cielo azul brillante lleno de nubes ilustrativas, Owens representa docenas de imágenes icónicas en un motivo que evoca el potencial que la ciudad de Nueva York evoca en el imaginario colectivo. Representando las obras de arte públicas históricas de la ciudad, sus monumentos preciados, sus bocadillos populares y sus paisajes cotidianos, el mural también incluye numerosos símbolos de la extensa red de transporte público que los conecta a todos. La colosal obra sintetiza su singular estilo pictórico con la artesanía de la cerámica hecha a mano y el lenguaje visual de la creación de imágenes digitales. Esta composición dinámica cambia según nuestro punto de vista, ya que las imágenes reconocibles vistas desde lejos se convierten en abstracciones cuadriculadas al observarlas de cerca, disolviéndose en colores impresionistas y destellos desenfocados de nuestra ciudad imaginada.

Desde finales de la década de 1990, Owens ha adoptado un enfoque amplio y experimental en la pintura, un enfoque que abarca una amplia gama de fuentes, desde la vanguardia hasta lo populista y lo decorativo. Obtuvo reconocimiento al revolucionar irreverentemente la historia y las convenciones formales del medio, apropiándose y recombinando técnicas y motivos del canon de las bellas artes, el arte popular, la cultura pop y la tecnología. Sus pinturas desafían con frecuencia los límites entre el espacio pictórico y el físico al interactuar con su contexto arquitectónico. En los últimos años, ha empleado cada vez más múltiples medios en extensas instalaciones que exploran la construcción y el consumo de la cultura visual contemporánea. I🍕NY Este es el primer mosaico de azulejos de Owens, así como su obra más grande hasta la fecha. Tras haber vivido en Nueva York en varios momentos de sus 25 años de carrera, el homenaje iconográfico de Owens abarca desde lo ampliamente reconocible hasta lo artísticamente significativo y lo personalmente significativo. Owens vive y trabaja en Los Ángeles.

Para obtener más información sobre Laura Owens, visite www.owenslaura.com

(n. 1970, Euclid, Ohio)
I🍕NYde 2020
Azulejos y lechada de cerámica esmaltada hechos a mano
67'10” de alto x 566'3” de ancho x 28'11” de profundidad
Encargado por LaGuardia Gateway Partners en asociación con Public Art Fund

Laura Owens agradece su estudio (Amy Baumann, Dave Berezin, Elliot Kaufman, Nic Seago Burrier, Ben Carlson), Sadie Coles HQ, Londres (Sadie Coles, Laura Lord), la empresa de Gavin Brown (Gavin Brown, Ivan Guytan), Tania Garbe, BRB Tile/Local 7 NY/NJ (Bill Lardieri, Ed Conners, Chris Burden, Joe Dimauro, Mike Ferrante, Armenio Gomes, Marty Matesic, Leonardo Pazos, Feris Roci, Sebastian Rodriguez Chanquet, Jon Shenefield, Giuseppe Troia, Akini Williams, Akini Williams Jr.), Dry Lay Team (Olga Rudenko, Laura Morrison, JJ Ariosa, Cat Baldwin, AnnaLiisa Ariosa-Benston, Elise Duryee-Browner, Lili García, Katherine Forst, Samuel Kim, Lizzy Myers, Hayley Nichols, Michelle Rich, Amy Ritter, Madelyn Rivera, Sophia Starling), Matthew Au, Azulejos de arcilla refractaria (Eric Edelson, Caitlyn Child, Nick Cordova, Katherine Lee) y The Lenape Center (Hadrien Coumans, Joe Baker).

Esta monumental escultura de la artista Sarah Sze evoca el paso del tiempo a través de una intrincada constelación de fotografías. Cientos de imágenes forman una esfera que parece flotar en el aire, similar a un espejismo. Cada fotografía captura una instantánea del cielo de Nueva York tomada a lo largo de un día. En conjunto, trazan un recorrido cíclico desde el amarillo pálido del amanecer hasta los azules brillantes de la luz del día, pasando por el naranja oscuro del atardecer y el violeta de la medianoche. Al igual que la Tierra, el globo terráqueo de Sze es frágil y se revela gradualmente a medida que lo rodeamos. Más corto que el día Es una meditación sobre la permanencia y la transitoriedad que encarna la esencia del poema de Emily Dickinson que le da nombre. Sze da forma a la idea expresada en el poderoso verso del poema: «Pasamos el Sol Poniente / O mejor dicho, Él nos pasó a nosotros».

Desde finales de la década de 1990, Sze ha utilizado una amplia variedad de medios para explorar la intersección de la información, la tecnología, la materialidad y el tiempo. En sus esculturas, crea elaborados ensamblajes a partir de objetos cotidianos unidos en un delicado equilibrio, como si estuvieran en perpetua metamorfosis. Las obras de Sze son un estudio de contrastes —plano y volumen, quietud y movimiento, organización y caos— cuya oposición y atracción simultáneas crean una sensación de tensión magnética. Aunque construidas con precisión, sus instalaciones a gran escala expresan una sensación orgánica y cinética, surgiendo como un gesto evocador a través de una extensión del espacio. Más corto que el día Es la escultura más grande y estructuralmente compleja de Sze hasta la fecha. La obra fusiona sutilmente lo efímero y lo inmutable, a la vez que revela rastros del proceso de fabricación: las propias fotografías desbarbadas y los fragmentos numerados de cinta amarilla que delimitan su ubicación son facsímiles duraderos de metal con recubrimiento en polvo. De esta manera, la escultura de Sze considera la naturaleza fluida del tiempo y funciona como una cápsula de su propia creación. Sze vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.

Para obtener más información sobre Sarah Sze, visite www.sarahsze.com.

(n. 1969, Boston, MA)
Más corto que el díade 2020
Aluminio y acero con recubrimiento en polvo
48' de alto x 30' de ancho x 30' de profundidad
Encargado por LaGuardia Gateway Partners en asociación con Public Art Fund

Sarah Sze agradece a su estudio (Mike Barnett, Joell Baxter, Yu Rim Chung, Christin Graham, Marissa Graziano, Helen Lin), Amuneal (Carson Bohlen, Rob D'Amico, Colin Dees, Josh Kerner, Ray Krenicki, Kevin Schultes) y VRH Construction (Rob Carr, Nick Castronova, Kevin Curran, Dean Haussel).

Ampliando nuestra misión principal de presentar exposiciones dinámicas de los artistas más atractivos del mundo y hacer que la cultura sea accesible para todos, Public Art Fund:Asociaciones creativas Aporta su experiencia en planificación estratégica, curaduría, gestión de proyectos y comunicación a importantes instituciones culturales, corporaciones y organizaciones cívicas de todo el mundo. Gracias a estas colaboraciones, Public Art Fund Encarga instalaciones permanentes y exposiciones temporales de acuerdo con la visión única de nuestros socios y los parámetros específicos de cada sitio, dando como resultado nuevas obras de arte que activan espacios públicos, crean grupos comprometidos y amplifican el impacto de las propias iniciativas de nuestros socios a través del poder del arte público.

Public Art Fund Se invitó a LaGuardia Gateway Partners, desarrollador y operador de la Terminal B, a colaborar con ella para formular e implementar un programa artístico integral para el nuevo edificio. El objetivo no era simplemente colocar obras de arte existentes en un aeropuerto, sino encargar a cuatro de los artistas más destacados del mundo la creación de ambiciosas obras específicas para el lugar que se integraran en la estructura del edificio. Se animó a los cuatro artistas —Jeppe Hein, Sabine Hornig, Laura Owens y Sarah Sze— a inspirarse en sus propias experiencias en la ciudad de Nueva York.