Ensayos para el ensayo

Katy Pyle
Zapatillas Ballez Es una clase de ballet avanzado. La clase comienza con la ayuda de la arquitectura disponible (y esculturas) que sirven como barras, y se mueve por espacios públicos en combinaciones que recorren el suelo, interpretadas para árboles y curiosos. Acompañada por los éxitos pop queer nostálgicos y vergonzosos de ayer y hoy, esta clase te invita a centrarte en el placer, la conexión y un virtuosismo definido personalmente. La barra está influenciada por mi profesora, Janet Panetta. Usa zapatillas flexibles que te permitan girar y saltar.
—Katy Pyle

Participantes principales
Elías Jones
Josie Bettman
Julia Antinozzi
Michael Bryan Wang
Lavinia Eloise Bruce

Semblanza
Katy Pyle es una bailarina, coreógrafa y profesora lesbiana y de género queer. Pyle ha bailado profesionalmente en la ciudad de Nueva York desde 2002 para John Jasperse, Jennifer Monson, Faye Driscoll, Ivy Baldwin, Xavier Le Roy y Young Jean Lee, entre otros. Pyle fundó Ballez en 2011 para impulsar el ballet clásico hacia un futuro inclusivo, centrando las experiencias de personas queer, lesbianas, trans y de género no conforme en la creación de ballets narrativos a gran escala, clases abiertas y conversaciones públicas. Ballets con historias destacadas: “El pájaro de fuego, un Ballez”, Danspace Project, 2013; “La Bella Durmiente y la Bestia”, La Mama, 2016; y “Giselle de la Soledad”, The Joyce, 2021. Pyle ha llevado a Ballez a Princeton, Sarah Lawrence, Yale, Movement Research, CounterPULSE, Bowdoin, Whitman, Beloit, Slippery Rock University, Rutgers, Berea College y Swarthmore. Actualmente, Pyle imparte clases de técnica a estudiantes universitarios en Eugene Lang College y Marymount Manhattan, y a bailarines profesionales en Gibney Dance. Ballez.org

Angie Pittman
Baile de línea del alma Es el resultado de innumerables comunidades de personas negras que crean, comparten, practican y bailan juntas. Utilizando principalmente música R&B, Pittman impartirá una clase abierta y guiará al público a través de cinco o seis danzas Soul Line que ha aprendido a lo largo del camino. Bailamos juntas para conectarnos entre nosotras y con el espacio que habitamos.
—Angie Pittman

Participantes principales
Malcolm-x Betts
Nile Harris
Gabriella Carmichael
Ariel Lembeck
Lily Bo Shapiro

Semblanza
Angie Pittman es una artista de danza, creadora y educadora radicada en Nueva York. Su trabajo se ha presentado en The Kitchen, Gibney Dance, BAAD!, Movement Research en Judson Church, Triskelion Arts, STooPS, The Domestic Performance Agency, The KnockDown Center, The Invisible Dog (Catch 73), The Chocolate Factory, Danspace Project y Roulette. Pittman ha tenido el placer de crear en colaboración con A Sef, Jasmine Hearn, Jonathan Gonzalez, Athena Kokoronis y Anita Mullin. Tiene una maestría en danza y coreografía de la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign con una especialización en estudios afroamericanos y es profesora profesional certificada de la técnica Umfundalai. Su trabajo coreográfico ha recibido el apoyo de la Beca de Emergencia de la Fundación para las Artes Contemporáneas y residencias a través del Tofte Lake Center, Movement Research, New Dance Alliance Black Artists Space to Create y Djerrassi. La obra de Pittman se inscribe en un espacio que investiga cómo el cuerpo se mueve a través de la balada, el groove, la chispa, el espíritu, los espirituales, la ascendencia, la vulnerabilidad y el poder. Actualmente es profesora adjunta visitante de danza en el Marymount Manhattan College.

Luciana Achugar
Práctica del placer
Este proyecto participativo se basa en la propia práctica de achugar, desarrollada a lo largo de años de danzas como método para desaprender de nuestras cabezas y aprender de nuestros cuerpos; un método de autoaceptación radical en lugar de imponer sobre nuestros cuerpos nociones preconcebidas de ser y/o comportarse. A través de esta práctica, investigamos maneras de descubrir lo que ya está presente (pero quizás reprimido, suprimido/oprimido) en nosotros mismos, y cómo crear las condiciones para que se manifieste y aparezca por sí solo. La práctica de estar en placer es una práctica de deshacer el modelo jerárquico aprendido de encarnación que ha sido programado en nosotros y deshacer la vergüenza que lo acompaña para desenterrar un yo más liberado, empoderado, descolonizado e incivilizado, más conectado con nuestros instintos, nuestros corazones, nuestras entrañas y nuestro sexo para celebrar la unión y la conexión con la tierra, con nosotros mismos y con los demás.
—Luciana Achugar

Participantes principales
Molly Lieber
Michael Mahalchick
Sarah White-Ayón
Oren Barnoy

Semblanza
Luciana Achugar es una coreógrafa uruguaya residente en Brooklyn que se desarrolló como artista en estrecho diálogo con las comunidades de danza contemporánea de Nueva York y Uruguay. Trabaja en Nueva York y Uruguay desde 1999. Su obra se centra en el mundo poscolonial, buscando la destrucción de las estructuras de poder actuales desde dentro. Ha recibido dos premios Bessie y fue nominada a Epílogo por... OTRO TEATRO: Amor verdadero (2016). Ha recibido numerosos reconocimientos, como la Beca Guggenheim, la Beca Creative Capital, la Beca de la Fundación para las Artes Contemporáneas, los Fondos MAP, la Fundación Jerome, el Premio Alpert 2017 y las Becas para Artistas de la NYFA. Su obra más reciente, "PURO TEATRO: Un Hechizo para la Utopía", comenzó como un proyecto en línea en Instagram, comisionado por y para el Festival de Arte Basado en el Tiempo del Instituto de Artes Contemporáneas de Portland en otoño de 2020, y se estrenó como una función en vivo en el Teatro Chocolate Factory, co-comisionado por el Centro Skirball para las Artes Escénicas de la Universidad de Nueva York, en noviembre de 2021. Actualmente es Becaria Doris Duke de EE. UU. 2022.

Moriah Evans
Nuestros cuerpos nosotros mismos
Trabajaremos con una relación especulativa con el propio cuerpo y el de los demás para comprender lo que contienen. Los feminismos son la base de una metodología de danza que se inicia desde lo más profundo de los órganos internos. Trabajaremos con un sistema de percepción-acción a través de cinco modalidades energéticas distintas. Articularemos el movimiento a partir de sensaciones individualizadas que permanecen siempre desconocidas y perpetuamente subjetivas, abandonando las representaciones que a menudo se proyectan sobre la superficie corporal. ¿Cómo podríamos acceder a las nociones de desechos dentro del cuerpo para expulsarlos? Sostendremos eventos catárticos hacia estados de identidad y de cuerpo, y luego investigaremos lo que sucede a su paso, lo que permanece.
—Moriah Evans

Participantes principales
Lizzie Feidelson
kris lee
João dos Santos Martins
Sarah Beth Percival
Varinia Canto Vila

BIO
La obra de Moriah Evans sitúa la danza y la coreografía como un proceso especulativo. Desarrollando el movimiento a partir de los mundos invisibles, pero sentidos, de la materialidad corporal y el espacio interior afectivo, los proyectos de Evans cuestionan las jerarquías predefinidas entre la carne, el cuerpo, el yo y el sujeto. Inspirándose tanto en las críticas feministas de la visualidad como en las prácticas coreográficas somáticas, la obra de Evans amplía la relación con la danza más allá de lo visible, hacia diferentes maneras de percibirnos a nosotros mismos y nuestras relaciones con los demás. Entre sus trabajos recientes se incluyen: Descansos (Sesiones de Playa, Año Nuevo, 2021) BASTARDOS: Todos somos hijos ilegítimos (NYU Skirball, Ciudad de Nueva York, 2019); Configurar (La Cocina, NY, 2018); Calculando (SculptureCenter, Nueva York, 2018); Sé mi musa (Pace Live, Nueva York, 2021; Museo Hirshhorn, Washington, DC, 2018; Villa Empain, Bruselas, 2016); Baile social 9–12: Encuentro (Proyecto Danspace, Ciudad de Nueva York, 2015); Baile social 1–8: Índice (Sala de proyectos ISSUE, Nueva York, 2015); Otra actuación (Proyecto Danspace, Ciudad de Nueva York, 2013); y Fuera y dentro (8/8): COSAS (Teatro de la Usina, Ginebra, 2012). En 2011, Evans inició La Oficina para el Futuro de la Coreografía—un colectivo creado para investigar performances participativas y sistemas coreográficos. Evans fue editor jefe de la Revista de investigación y performance del movimiento (2013-20), asesora curatorial del Tanzkongress (2019) y, desde 2016, cocuradora/facilitadora de danza y proceso (The Kitchen). Es artista individual premiada por la Fundación para el Arte Contemporáneo, becaria MacDowell y becaria Guggenheim en coreografía en 2022.

David Watson
Practica, practica
Una secuencia de respuestas musicales improvisadas en todo el parque que giran en torno a Ensayo y el parque circundante. Estas respuestas se guían por las ubicaciones y la exploración de sus propias propiedades sonoras. Inspiradas en la idea del "ensayo" como forma cultural y su diferencia con la performance, con ideas inherentes de lo público y lo privado, estas respuestas se basan en las esculturas de Wieser y las propias historias de los músicos.
—David Watson

Participantes principales
Marcia Bassett – sintetizador analógico
Daniel Carter – saxofón alto
Marcus Cummins – saxofón soprano
Ian Douglas-Moore – guitarra, electrónica
Lathan Hardy – saxofón
Sam Kulik – tuba
Talice Lee – violín
Samara Lubelski – violín
Ryan Sawyer – batería
Kevin Shea – batería
David Watson – gaitas

Semblanza
David Watson es un músico experimental, figura fundamental de la escena neoyorquina desde la década de 1980. Su especialidad es la nueva música para gaita. Ha creado música experimental de forma constante como obra pública (incluyendo para bandas de metales y gaitas) para explorar lugares a través del sonido. The New York Times descritoEnjaulado”, Una pieza que creó con el coreógrafo Jamar Roberts, considerada «una de las respuestas artísticas más impactantes hasta la fecha a la crisis de la COVID-19». Ha organizado y comisariado música experimental durante 40 años.     https://davidwatsonmusic.net